QUARTAS DRAMÁTICAS

CONTRA QUÊ? CONTRA QUEM? abertura

2011-12-15T05:04:00.000-08:00

2011-12-15T04:33:00.001-08:00

CONTRA QUÊ? CONTRA QUEM?

2011-12-15T03:59:00.000-08:00

Encerramos dia 14/12/2011 o III QUARTAS DRAMÁTICAS com a apresentação da leitura cênica de CONTRA QUÊ? CONTRA QUEM? com o grupo TERRA EM CENA, coordenada pelo professor Rafael Villas Boas do curso Educação no Campo - UnB Planaltina. Com a presença de um grande número de alunos do LEDOC, o QUARTAS abriu espaço para que a comunidade acadêmica e o público em geral assistissem a uma leitura encenada de um texto que resultou de um trabalho coletivo e incluiu, com adaptações, cenas de Mutirão em Novo Sol. Além disso, o grupo utilizou procedimentos cênicos do teatro do teatro do oprimido e a apresentação foi, portanto, uma aula-espetáculo sobre o teatro político, o Teatro Fórum e sobre a as teorias de Augusto Boal.

CABARÉ DA RAÇA leitura cênica apresentada dia 07/12/2011

2011-12-13T13:31:00.001-08:00

contra quê? contra quem?

2011-12-11T08:21:00.001-08:00

Dia 14/12 encerraremos o III QUARTAS DRAMÁTICAS com a leitura da peça CONTRA QUÊ? CONTRA QUEM? sob a coordenação do prof. Rafael Villas Boas ( UnB - Planltina) e com integrantes do grupo TERRA EM CENA.

O LIVRO DE JÓ – tensão, pavor, assombro e êxtase (Cássio de Azevedo Guedes)

2011-11-30T02:09:00.001-08:00

O TEXTO

Em 1995 estreia a peça “O Livro de Jó”, de Luís Alberto de Abreu, encenada pelo grupo “Teatro da Vertigem”. Na ocasião, o ambiente escolhido para a primeira representação não foi nada convencional: uma sala cirúrgica de hospital. Esse conhecido episódio bíblico converte-se num pretexto para a exploração das mazelas enfrentadas pela humanidade no final do século XX.

Jó, escolhido por Deus como exemplo de fé, perde tudo o que tinha, inclusive a saúde. Acometido por uma grande peste assistimos à provação da sua fé. Enquanto isso, aparecem os seus amigos e a sua esposa que o questionam a todo tempo sobre os fundamentos da sua crença e a fidelidade a seu culto. Diante disso, Jó questiona a si mesmo.

Jó (em fase terminal) peregrina em busca de respostas, sempre inconformado com as falsas informações sobre Deus e a vida. Seu corpo se entrega, mas seu espírito jamais. Morre Jó e impera uma reflexão. Reflexão sobre a crença, a fé, a religião, a morte, a existência, o mundo contemporâneo e as suas mazelas.

A ENCENAÇÃO

Para aproximar o público do ambiente onde se passa a história, o grupo dirigido pela professora Rita de Almeida Castro abusa de elementos cênicos para propiciar a percepção de uma atmosfera hospitalar. Na entrada, doentes enfaixados e de jalecos dão as boas-vindas aos espectadores e oferecem a cada um, máscaras cirúrgicas como as que estão usando. Antes disso, uma das personagens que atuará na encenação, convida a todos para acompanhar de perto a peregrinação de Jó e a se identificar com ele, pois não se trata “daquele” do deserto, e sim o Jó que vive no mundo atual.

O grupo de teatro no afã de aproximar o público o máximo possível da história ali representada e fazê-lo parte integrante de tamanho questionamento da fé e percepção da dor, organiza-o em círculo no palco, bem próximo dos atores. A utilização de uma grande quantidade de velas, simboliza a vigília realizada pelos que acompanham Jó em seus últimos instantes de vida e nos remete a um misto de moderno e medieval.

A direção da peça opta por uma inversão de papéis. Jó é representado por uma mulher e a sua esposa, por um homem. Esse fato parece simbolizar a crise de existência e de crença que acomete toda a humanidade, sem distinção de sexo, cor e raça. A esposa de Jó se auto-mutila enquanto a peça se desenrola, sofrendo com cada frase proferida por Jó e por seus amigos. Quando com a tesoura corta as luvas que o personagem estica com os dentes, a impressão é de que corta realmente uma parte da sua pele. Essa atitude aliada aos gemidos e ao movimento trêmulo do seu corpo transmite uma imensa angústia ao público, que acompanha aterrorizado esse ato.

Para alcançar o objetivo de sensibilizar a plateia, o grupo não lança mão apenas do visual e da palavra. A sonoridade assume uma importância grandiosa no andamento da peça. Vale ressaltar que a emissão de sons acontece ao vivo. Um músico, presente ao lado, realça cada ação, pausa e silêncio encenado com a ajuda de um piano e alguns instrumentos de percussão. Pode-se afirmar que a peça se engrandece graças ao apelo aos sentidos.

Cessam-se os diálogos, morre Jó, o silêncio domina por alguns minutos o espaço cênico. Silêncio didaticamente intencional. Cada componente da platéia, envolto num clima de tensão, pavor, assombro e êxtase, reflete a respeito da fé e do maior temor da humanidade: a morte.

O LIVRO DE JÓ

2011-11-24T05:02:00.000-08:00

Ontem tivemos a leitura cênica dO LIVRO DE JÓ, de Luís Alberto de Abreu - Teatro da Vertigem. O Livro de Jó foi construído a partir do processo colaborativo entre diretor e intérpretes do Teatro da
Vertigem e Luís Alberto de Abreu assumiu a função de dramaturgista para verter todo o processo na versão escrita.
A leitura cênica presentada no Quartas Dramáticas, sob a coordenação da Professora e Diretora Rita de Almeida Castro e encenada por alunos das Cênicas (UnB), explorou os simbolos e arquétipos presentes no texto, aproximou o publico da encenação e construíu uma atmosfera extremamente imagética e de belo envolvimento sonoro em que instrumentos e ruídos se misturam para adensar a jornada de Jó. (logo divulgaremos a ficha técnica da Leitura apresentada)

Invisíveis, mas tão próximas...

2011-11-12T07:57:00.001-08:00

Por Zildenor Ferreira Dourado

Imaginárias ou reais? “As cidades invisíveis”, assim chamadas pelo autor do livro original, o escritor italiano Ítalo Calvino (1923-1985), estão bem perto de nós que disputamos espaços e sobrevivência em um mundo “civilizado”, capitalista, cada vez mais urbano e selvagem, recheado de contradições. As metáforas de Calvino, com suas alegorias imagéticas, tornam o texto dialético, atualíssimo e universal. Quem é que não habita hoje uma cidade invisível, tão diferente daquelas que os usurpadores políticos supõem existir?

A história apresentada, na adaptação da professora Renata Pallottini, com o mesmo nome do livro de Calvino, tem aproximação com fatos reais, como a saga da expansão mercantilista e a conquista de cidades no final da Idade Média, capitaneada pelo legendário explorador veneziano Marco Polo (1254-1324).

O foco da narrativa fictícia é a relação de cumplicidade entre o anti-herói Marco Polo e o seu líder, o imperador dos tártaros, Kublai Kahn. Enquanto aquele conhecia as cidades, em suas viagens, este as dominava, mas não as conhecia, in loco. Desse modo, era fantasioso e ufanista o relato do navegador e “amado amigo” sobre a realidade das cidades conquistadas.

A leitura cênica apresentada nesta edição do “Quartas Dramáticas”, no anfiteatro 9 da Universidade de Brasília (UnB), aborda, contudo, muito mais do que uma releitura de antigos fatos épicos: expõe as mazelas das ocupações urbanas e do processo de dominação cultural, onde a ética “apodrece”, como bem define o atormentado imperador, satirizado no texto de Calvino

A transformação do texto do brilhante escritor italiano __ tão denso e detalhado em críticas à sociedade __ em uma peça teatral mais enxuta foi um desafio executado com competência por Pallottini. Mas a encenação coordenada pelo professor da UnB, Augusto Rodrigues (que interpretou Kubai Kahn) suprimiu trechos interessantes da proposta de adaptação feita por Pallottini, provavelmente em virtude das dificuldades da representação em improvisado ambiente acadêmico, num curto espaço de tempo.

Mesmo com a supressão de cenas com mais ação nos conflitos retóricos travados entre os dois protagonistas, previstas no roteiro daquela professora e poetisa, o resultado do espetáculo levado ao palco alternativo da UnB é positivo. Os estudantes são estimulados a conhecer com mais profundidade textos clássicos interessantes, como a obra de Calvino, que certamente provoca reflexões sobre as complicadas relações humanas/coletivas nas ocupações urbanas pelo mundo afora, construídas ao longo dos séculos de expansão comercial, com a imposição de costumes e modelos imperialistas de desenvolvimento .

Logo na abertura do texto, os espectadores se deparam com o mea culpa, desenvolvido pelo personagem do imperador Kubai Klan, ao admitir a Marco Polo que seu império desmoronara, corrompido. Essa revelação acabaria por desvendar uma cadeia de sentimentos contraditórios no imperador, desencantado com a derrocada moral do seu império.

“Meus ministros falam comigo das coisas do Império, mas só me contam o que julgam que eu quero ouvir”, reclama Kubai Klan. È Marco Polo quem desfaz os mitos que alimentam a imaginação daquele homem poderoso. O navegador veneziano expõe-lhe, finalmente, as contradições das conquistas. Mostra-lhe que toda aquela situação foi forjada por uma retórica imaginária e falaciosa. È o conflito provocado por essas constatações que enriquece o texto poético da peça, suas sutilezas filosóficas e ácidas críticas sociais. Revelam a crueza do mundo real em contraposição ao imaginário. Essa ruptura com a ideia do grandioso império acaba por matar o ex-poderoso Kubai Klan

Na interpretação do Quartas Dramáticas destacou-se a interpretação segura dos atores/leitores, embora tenha faltado um pouco mais de entonação nas falas do imperador, uma personagem que poderia ser construída com mais carga dramática. O figurino foi apropriado, simples, mas sem caracterizar os “maltrapilhos” previstos no texto de Pallottini.

Interessante, convém ressaltar, o blackface às avessas do eficiente ator/estudante negro, que utilizou uma máscara branca para interpretar o italiano Marco Polo. Ou seja, um vanguardista whiteface, bem sincronizado com a quebra de paradigmas desenvolvidos pela personagem que, exorta em suas análises sobre os povos dominados: “Todos os deuses são aceitos. Há deuses negros e brancos”

Os recursos cênicos para ambientar a morte do mítico imperador Kubai Klan foram criativos e eficazes. Uma das mais visíveis e lamentáveis lacunas deixadas pela representação da leitura cênica, porém, foi o abandono da sonoplastia, que no texto original de Calvino trazem significados relevantes, como a exploração de um lirismo poético marcante nas várias canções que enriquecem o texto.

Assim, os espectadores não puderam, por exemplo, desfrutar das alegorias criadas na estrofe final: “Acabou-se a canção do que não é/ Acabou-se a canção do que queremos ser/ da vida e dos amores, do ermo e da solidão/ acabou-se a canção/Acabou-se a canção do que nunca fazemos. Até o dia em que se faça outra canção”.

Para os que não puderam comparecer à representação cênica, na UnB, ou aos que querem aprofundar a interpretação textual, o ideal é buscar conhecer na íntegra o livro de Calvino __ ou também a adaptação de Palottinni, que está longe de ser uma “traição”. Textos para serem lidos com atenção redobrada, sem o corre-corre das encenações teatrais, que limitam nosso direito de embarcar em viagens literárias incríveis.

NOSSAS MEIAS-VERDADES

2011-10-27T01:16:00.000-07:00

Vittor Ibanes

A peça intitulada “O Visitante”, de autoria de Hilda Hilst, escritora brasileira que se dedicou brilhantemente a vários gêneros, incluindo o teatro, foi a obra encenada no projeto Quartas Dramáticas na última quarta-feira 19, sob a direção de Francisco Gomes. Além do entrosamento entre o grupo, outro ponto que roubou a cena foi a exploração imagética do texto.

O texto de Hilda Hilst já se inicia com uma série de indicações sobre cenário e personagens, o que permite que o encenador adentre a atmosfera que ela imaginou, sem, no entanto, tolher-lhe a criatividade. O cenário criado pelo grupo foi fiel às indicações constantes na peça original e ainda extrapolou com alguns elementos como o círculo de sal no chão, velas por toda parte, o laço que prendia Ana (mãe) e Maria (filha) durante todo o espetáculo.

Seguindo a estrutura psicológica proposta por Hilda para a personagem Maria, a atriz encarnou bem a figura da filha amarga, dura e triste. Mas algo que chamou a atenção foi a transformação pela qual passou durante o espetáculo. A cada nova cena de conflito, discussão ou intriga, a personagem Maria ia ficando cada vez mais bagunçada, descabelada, borrada, de modo que no final estava completamente desfigurada, perdida em seus complexos de inferioridade, inveja e desconfiança da mãe.

Em contrapartida, Ana ficava cada vez mais bela. A atriz que a interpretou tinha movimentos suaves, um semblante altivo e uma delicadeza próprias da personagem, o que deixou em evidência a discrepância entre mãe e filha, mesmo estando vestidas do mesmo modo. O figurino foi outro ponto que obedeceu às indicações do texto, Ana e Maria estavam com o mesmo vestido branco, enquanto que o Marido e o Corcunda também estavam idênticos no que tange aos trajes.

Ao passo que as mulheres interpretaram de maneira exímia suas personagens, os homens não atingiram o mesmo grau de intimidade com os seus. O ator que interpretava o corcunda Meia Verdade foi pouco expressivo, falou muito baixo, quase não se compreendia. Já o que interpretou o marido de Maria, foi o oposto. Um pecou por falta e o outro, por excesso: entonações em momentos inoportunos, gritos desnecessários marcaram a interpretação do marido de Maria.

A profundidade simbólica aliada à exploração imagética da encenação deram à leitura cênica de “O Visitante” uma carga poética muito grande e fizeram dos espectadores, envoltos em fios de barbante no início da leitura, parte do espetáculo, como se no palco também estivéssemos expondo as nossas meias verdades, nossos pretextos e histórias mal contadas.

sobre O visitante, de Hilda Hilst

2011-10-22T03:17:00.000-07:00

O Visitante: Meia Verdade de HILDA HILST

Cássio de Azevedo Guedes

Peça escrita em 1968. Texto profundamente marcado pela linguagem poética. Não à toa, pois a autora é uma grande poetisa. Uma pequena família composta por três membros, mãe, filha e o seu marido compõe a peça. Família em constante conflito. Conflito gerado pelo ciúme de Maria (a filha) em relação ao seu marido e à sua mãe, mulher encantadora e de rara beleza. Um quarto personagem aparece adiante, o visitante. Homem tratado pelo marido de Maria como um desconhecido.

Ana, indireta e constantemente, diz à sua filha que carrega no ventre um novo filho, sondando-a e estudando a sua reação. Maria, sempre áspera, mal humorada, tensa, infeliz, desconfiada, amarga, condena a mãe. Como poderia estar grávida se não percebe a mãe se relacionando com outro homem? A tensão aumenta, pois a mãe convive o tempo todo com o seu marido, cantam juntos, o diálogo entre eles é afável, descontraído, leve e, pior ainda, seu marido repete o nome “Ana” à noite quando se deita! Em boa hora chega o “visitante” ou “Meia Verdade”. Ana enfim se sente aliviada e atribui a ele, o visitante, a paternidade do filho que a mãe supostamente carrega no ventre.

A problemática do adultério torna-se secundária diante da beleza dos diálogos, carregados de poesia e diante das longas pausas entre as falas das personagens. A beleza da linguagem utilizada por Hilda Hilst encanta o leitor e não lhe provoca um riso fácil. A peça é enxuta, seca e com diálogos densos. Nota-se que as pausas e os silêncios esticados são absolutamente necessários para o desenvolvimento da peça.

A ENCENAÇÃO

Cenário atraente, cor preta predominante. Uma mesa no centro, duas cadeiras, dois móveis de cada lado da mesa. Velas espalhadas pelo espaço cênico criam uma atmosfera intrigante. Um jarro de flores ameniza um pouco o ambiente. Vinho, pães e frutas representam a ceia preparada pelas mulheres.

Pouca luz, e sobre o palco surge Ana, nua, entoando um canto triste. Inicia-se a peça, entram mãe e filha vestidas iguais, tecido fino e leve, de cor branca. No palco, delimita-se o espaço cênico com farinha de trigo, trigo usado na fabricação dos pães, preparados por elas, formando um círculo, onde ocorrerá a encenação.

Diferentes, opostas, mas inteiramente ligadas uma à outra, assim são Ana e Maria. O marido de Maria entra no palco e com um longo tecido branco ata a vestimenta das duas, simbolizando essa ligação entre elas. Antes de iniciar os diálogos os personagens masculinos banham as personagens femininas. Uma bacia com líquido dentro e um pano são usados no banho.

Até então impera o silêncio. De repente um grande novelo de barbante demarca o palco e se estende até a plateia. Todos se prendem nos fios do novelo: as personagens e o público. O barbante representa a clausura em que vivem as personagens, presas nos fios das suas meias verdades.

A maquiagem da personagem Maria é escura, o que lhe confere um ar fechado, tenso, infeliz e gestos duros. Em contraposição, Ana é suave, agradável, envolvente, o que se pode ler no seu semblante leve, sorridente e profundo.

Enfim, rompe-se o tecido que ligava mãe e filha. Maria se sente confortável com a presença do visitante, atribuindo-lhe a provável paternidade do bebê que a mãe espera. Seu semblante muda, torna-se mais doce, mais tranquilo, a mãe acaricia a filha que debruça-se sobre o seu colo, tranquilizando-a com uma canção de ninar. É o fim do texto cuja densidade poética torna o público cúmplice do que acontece em cena, mas angustiado, pois fica a sensação de Meia Verdade.

A SERPENTE, de Nelson Rodrigues

2011-08-27T19:25:00.000-07:00

A SERPENTE, de Nelson Rodrigues, foi a segunda leitura cênica apresentada no III QUARTAS DRAMÁTICAS (21/09). A platéia estava lotada, pois alguns professores do curso de Letras levaram seus alunos (obrigado Vírgia Leal e Augusto Rodrigues) e a professora Beatriz Pereira - sempre uma entusiasta - trouxe seus alunos do curso de educação para adultos de Sobradinho. Esse é objetivo do Quartas: divulgar nossa dramaturgia e motivar a utilização da letiura cênica por educadores como estratégia de ensino e mediação do conhecimenro.

No blog "Um dia após o outro", Noel resume o que foi a leitura cênica: "Na montagem, apenas um ator graduado em artes cênicas: Ricardo Gomes (Décio), que encarou a tarefa de dar vida a um personagem do universo rodriguiano como se fosse um trabalho profissional. Os demais participantes da montagem eram alunos do curso de Letras, a saber, João Paulo Farah (Crioula), Jordana Mascarenhas (Guida) e Tamíres Felipi (Lígia), e um aluno do curso de Química, Geovanni Timbó (Paulo). Tratava-se, portanto, de uma montagem universitária, com a direção de André Luís Gomes. (...) Tanto cenografia, quanto iluminação, ambos de autoria do diretor André Luís, deram um tom intimista às cenas, potencializando o erotismo presente no texto de A Serpente. Destaco também a projeção dos vídeos em uma sombrinha branca. A sombrinha foi aberta nas cenas de sexo entre os casais Guida-Paulo e Lígia-Paulo. Ao mesmo tempo em que encobria os casais, a sombrinha servia de tela para a projeção do vídeo, onde a figura da "serpente" aparecia, como a grande provocadora, além de cenas dos casais se abraçando e se beijando. O movimento rotatório da sombrinha se acelerava na medida em que o ato sexual chegava ao fim. Sabíamos que o êxtase fora alcançado quando a sombrinha se fechou. Bela imagem metafórica."

A leitura cênica contou com o apoio de vários pessoas, às quais agradecemos:

Francisco Alves ( performance e apoio na cenografia);

Fábio Gesteira (sonoplastia);

Edgar Brandão (vídeos);

Fabiula Martins ( organização e apoio na cenografia);

Bete Barros (apoio na organização e recepção dos espectadores);

As fotos da leitura cênicas, disponíveis no blog, foram tiradas pelo aluno PEDRO HENRIQUE COUTO TORRES.

Até a próxima leitura cênica: O Visitante, de Hilda Hilst !

Valère Novarina

A linguagem como matéria, como combustível para o pensamento- que é teatro. A palavra sendo objeto e signo de um jogo complexo, jogado ao mesmo tempo pela sociedade, pelo público e pelos atores e diretor. Assim funciona a obra do dramaturgo francês Valère Novarina, um dos mais importantes autores contemporâneos de teatro. Novarina nasceu em Chêne-Bougeries em 1947, filho do arquiteto Maurie Novarina e da comediante Manon Trolliet. Cresceu às margens do lago Léman, de onde saiu para estudar filosofia e lingüística em Paris, na Sorbonne.

A leitura encenada foi coordenada pela Profa. Glória Magalhães (IL-LET), que traduziu o texto de Valère Novarina e desenolveu tese sobre o autor.

leia mais no blog meia palavra

Pulsações apresenta obras de Clarice Lispector

2011-08-27T04:45:00.001-07:00

Pulsações apresenta obras de Clarice Lispector

CENA CONTEMPORÂNEA

2011-08-27T04:39:00.000-07:00

PROGRAMAÇÃO CENA CONTEMPORÂNEA

TRINTA GATOS E UM CÃO ENVENENADO

2011-06-16T14:13:00.001-07:00

Aluno: Humberto Firmo

De tema profundamente psicológico, o que remete às peças teatrais de Nelson Rodrigues no tocante aos contrastes das personagens, a peça tem uma forte carga dramática levando o espectador, passo a passo, a um desfecho trágico.

A trama familiar regida pelo fio da suposta loucura da filha, desenvolve-se em cenas de tensão e sombras, a simbologia mítica e onírica desenvolve-se através dos diálogos carregados de mágoas, assombrações, mentiras, memórias e discórdias. O perfil psicológico-mítico das personagens está presente na análise de Freud e o lado assombroso, do pesadelo, remetem às teorias de Jung e sua psicanálise dos sonhos.

Processos de amor dilacerados e vínculos de existência forçados pela farsa, transformam uma família num quase hospício de convivência, onde o limite entre a loucura e a razão espreita o abismo. Um suicídio involuntário. Cego. O conflito entre o consciente e o inconsciente é latente. Pensamentos são forças malignas (a sombra) causando embaraço e rejeição; destruindo todo e qualquer sentido de entendimento na família.

A metáfora “um cão envenenado” relaciona-se com o pai; sustenta toda a trama de ódio, ressentimentos e vinganças. Esse é o ponto central do enredo que mistura os acontecimentos terríveis do passado, a mazelas pregadas pelo destino no presente e as cartas marcadas do futuro.

E os gatos? São trinta. Gatas. Como trinta sonhos não sonhados, como trinta sonhos soltos, dispersos pela casa, roçando as pernas da filha, afagando a sua alma dilacerada. Trinta gatas aguardando a hora de parir suas filhas: a escuridão

Da apresentação:

O coro perfeito em suas narrativas.

A mãe perfeita em sua beatitude de culpas e desculpas.

O pai, o cão envenenado e venenoso. A fuga na bebida e no esquecimento.

O filho distante e fugidio.

A filha, o mundo desmoronando ao seu redor. Estado emocional bem representado pela atriz.

Bravo! Bravo! Bravo!

Humberto Firmo

As velhas - resenha crítica de Caroline De Wulf

2011-05-24T04:26:00.001-07:00

Como toda esperada “quarta dramática”, mais uma vez o projeto encanta os espectadores. No espetáculo da última quarta-feira(11/05), da peça As Velhas de Lourdes Ramalho, o que surpreendeu os espectadores foi a extraordinária encenação dos atores, que diferentemente das leituras anteriores, não eram alunos de artes cênicas, mas na sua maioria, alunos de letras e funcionárias da secretaria. As Velhas aborda temas como a seca, o poder político, os conflitos familiares e a vida rural, assuntos que problematizam a realidade de certos brasileiros. A presença de muitas personagens protagonistas femininas também chama a atenção para a peça.

Sempre buscando trazer peças nacionais e valorizar os dramaturgos brasileiros, o Quartas dramáticas abordou desta vez uma peça de caráter regional, na qual mostra a vida sofrida de brasileiros que vivem no sertão nordestino. Sob a direção do professor André Luís Gomes, a peça que por si só já é envolvente, captou ainda mais o envolvimento da platéia pelos recursos cênicos utilizados, apesar da pouca estrutura do ANFIi 9.

Caroline De Wulf. Aluna de Literatura Brasileira Teatro

As velhas - resneha de Humberto Firmo

2011-05-24T04:19:00.001-07:00

As Velhas

A peça , como num cordel de diálogos, é a representação fiel ao mundo nordestino com suas características peculiares: sofrimento, seca, retirantes, fala expressiva e ritmada tal qual a vida das personagens.

Ao fundo é como se ouvisse cantorias de viola e histórias contadas por vendedores de folhetos. Uma trilha sonora carregada nas falas cadenciadas.

A cultura popular evidencia-se no ambiente peculiar nordestino. O sotaque peculiar ao tipo de vida vivida por seus personagens numa região repleta de necessidades e vicissitudes que o destino provê aos seus habitantes fracos corporalmente, devido a mazelas da vida que levam, mas fortes em coragem e determinação pulsante e histórica. ( “Antes de tudo um forte” no dizer de Euclides da cunha em “Os Sertões”).

Na fala de Mariana : “... Cada pessoa é um poço – e o que elas é fica escondido no porão...” (Cena 5) denota a capacidade racional pragmática do conhecimento psicológico e estrutural de um (mundo) modo de vida nordestino. Ambiente onde as pessoas, por viveram em meio tão desértico de tudo, tendem a conhecer-se a si mesmo e aos outros de um modo simples; porém repleto de conteúdo prático e, ao mesmo tempo, totalizante.

O drama vivido pelas duas mulheres é o sentido da rivalidade entre o amor e o ódio; entre bem e mal, vida e morte. Num sertão onde preserva a própria vida é a única solução. Como num desafio de viola, Numa tentativa de sobreviver as intempéries e aos sacrifícios adjacentes da terra.

Como em antigas cantigas de mal dizer e de escárnio, tradição dos tempos medievais, o texto teatral, num trovadorismo seco, numa paisagem árida, corta a linguagem dos seus falantes também secos e áridos. A voz dos que bradam por respeito, dignidade e por um pouco de paz interior e prosperidade nessa terra do Deus-dará.

Leitura dramática

Todas as cenas foram bem postas.

Reparei apenas algumas falhas nas saídas e entradas dos atores, acho que por motivo de espaço (palco pequeno, sem grandes recursos)

A ultima cena, velas dando o sentido de caminhos, foi primorosa.

Ao final, o canto em seco, repetindo o circulo vicioso do lugar e das pessoas, resgata o repente das vidas sertanejas.

A tramóia dos políticos e aproveitadores em OFF não perdeu em nada se estivesse presente em cena, ficou tudo no imaginário do espectador. Muito bom.

O drama do sertanejo estava estampado em cada ator-personagem; todos eles representaram em medidas firmes e corretas. Parabéns! HUMBERTO FIRMO

OS GATOS MORREM NO ASFALTO – ANDRÉ AMARO Texto crítico: Kézia Abiorana

2011-05-09T05:20:00.000-07:00

Dar ou não dar certo. Anjos ou gatos. A vida solitária e decadente de artistas que não se enquadram nos parâmetros da arte apreciada pela sociedade “anti-musical, retrógrada e ultrajada pelo materialismo”, segundo Misty, é cruamente exposta por André Amaro em Os Gatos Morrem no Asfalto. A peça escrita em 1991 apresenta uma parte da realidade de Misty, uma cantora sem plateia, Bali, uma atriz desempregada, Viloro, um poeta-mendigo(ou seria mendigo-poeta?) que, cansado de mendigar como poeta, passou a poetizar enquanto mendiga, Ventana, também chamado de Ventania, palhaço na vida e nas ruas e Lis, uma bailarina de “bunda grande, quadril largo e peitos inflados”, também sem trabalho.

A obra de Amaro desmistifica a ideia do glamour artístico que compõe o inconsciente coletivo da sociedade mostrando o lugar realmente destinado àqueles que se atrevem a padecer da “loucura dos artistas” e insistem em levar sobre si o verdadeiro peso de ser escolhido pelo fazer artístico nem sempre em voga num mundo movido pela indústria cultural.

Como declara Misty, felizes mesmo são aqueles que não padecem dessa loucura e “conseguem manter a coluna ereta” como seu pai que queria ser escritor, mas foi “apenas um homem correto”. Mesmo com os “ombros largos”, o pai de Misty ainda viu a vida escorrer pelas costas, mas como declara à garota: “A vida só cabe na medida dos nossos ombros. É para eles que devemos voltar nossos olhos.” No entanto, a peça Os Gatos Morrem no Asfalto mostra que essa não é uma alternativa para aqueles que aceitaram suportar o mundo em seus ombros. Bali tenta um emprego qualquer, mas não dá certo. Viloro resolve cantar para a lua, fazer o que sabe para sua única espectadora já que “a poesia só salva os poetas, e os artistas [sem a arte] não podem inventar o mundo”, Ventana continua sua vida nas ruas usando sua imaginação “guardada no fundo de uma gaveta cor-de-abóbora no pé da cabeça”: os três que “não deram certo” são verdadeiros gatos de rua revirando o lixo, convivendo com cadáveres, completamente à margem de uma sociedade voltada para a fama e o sucesso, além de irredutível para os perdedores, para os palhaços tristes das noites.

Misty ainda tenta ser como um dos gatos, mas Viloro acredita que ela dará certo “e as pessoas que dão certo viram anjo”. Nessa busca por virar anjo, Lis resolve ter uma conversa com a Morte hilariantemente personificada na peça, sendo, inclusive, uma poetiza também. Ainda que anteriormente tenha pensado em ser prostituta ou “uma mulher comum”, prefere a busca pela morte do que a abdicação de seu posto como artista. Incomodada por uma música que vem do alto de uma torre “do tamanho de sua alma”, Lis tenta levar a Morte até o topo para silenciar aquele que toca e, nessa jornada discutem sobre olhares, o conceito de vida e outros assuntos.

Apinhada de reflexões, frases geniais, drama e comédia, Os Gatos Morrem no Asfalto é a própria arte que dá a ver o que a ideologia do status dado à Arte como instituição esconde. Para os personagens, como em Os Ombros Suportam o Mundo de Drummond, “Chegou um tempo em que não adianta morrer./Chegou um tempo em que a vida é uma ordem./A vida apenas, sem mistificação.”

A leitura dramática apresentada nas Quartas Dramáticas do dia 04/05 pelos alunos do Departamento de Artes Cênicas e dirigida pela professora Rita de Almeida, coordenadora da Companhia Teatro do Instante, recupera em tudo a genialidade da obra. Sentados em cadeiras de plástico, os atores se dispuseram frente à plateia interpretando seus papéis a todo segundo, a cada gesto, a cada movimento, mesmo quando não estavam em cena. Eram seis atores representando onze personagens. A montagem da leitura dramática apresentou algumas mudanças em relação a pequenas disposições propostas pelo texto de André Amaro. Em alguns momentos, por exemplo, os personagens voltavam-se à plateia para fazer alguma reflexão ou apontamento, como quando Misty se dirige à mulher no trem, mas não há esse personagem na apresentação, então, a personagem dirige-se à plateia ou mesmo quando a Morte de maneira improvisada pede silêncio dos espectadores para mostrar à Lis como se conversa com os olhos.

Por citar a Morte, é imprescindível ressaltar a construção do personagem montado para a apresentação. Oscilando entre uma voz assustadoramente misteriosa e histérica, a Morte arrancou gargalhadas do público com sua maneira bem definida por Lis como “psicodélica”. A interpretação do ator responsável pelo papel foi tão intensamente bem elaborada que chamou para si a atenção total dos espectadores. Não menos trabalhados e sofisticados, os demais papéis também foram extremamente bem sucedidos em impressionar a quem estava assistindo a leitura. Ventana parecia muito mais do que um simples palhaço, trazia em seus olhos a loucura e a alienação do artista desvalorizado. Viloro era o abatimento em pessoa com seus olhos caídos, quase fechados e sua cabeça oscilante. Lis, confiante e decidida, representava maravilhosamente bem o papel da bailarina insistente com a morte. Bali e Misty, ainda que representadas pela mesma atriz, traziam características próprias para o palco e, por último, mas não menos importante, o músico também foi alvo de curiosidade por suas expressões neutras e seu silêncio de palavras envolto pelos sons do sax e da sanfona. Todo o elenco trouxe à vida, de forma própria e surpreendente, a história de Amaro que, por sua vez, também esteve na plateia para prestigiar o trabalho do grupo da professora Rita.

A peça montada pela equipe estará em cartaz, em breve, no Teatro Caleidoscópio, no Sudoeste. Mais informações pelo site http://teatrocaleidoscopio.blogspot.com/

Kézia Abiorana

Texto de Newton Moreno dirigido e coordenado por Alice Stefânia

2011-04-10T14:59:00.000-07:00

Na última quarta-feira, dia 08 de abril, ocorreu no Anfiteatro 09 da Universidade de Brasília a leitura dramática de Agreste (Malva-Rosa), de Newton Moreno. Dirigida pela professora Alice Stefânia e apresentada pelo elenco formado por alunos do curso de Artes Cênicas da UnB, a leitura arrancou olhares, suspiros e também risadas da plateia.

Com os rostos e os cabelos cobertos por uma areia de pigmento acinzentado e vestidos com roupas de algodão cru, os atores sentaram-se num semicírculo formado de caixotes e, por meio da considerável estratégia de dividir pequenos trechos da narração entre si, deram uma dinamicidade genial ao texto de Moreno. A leitura era acompanhada pela expressão corporal e até mesmo por diversos movimentos empregados em momentos oportunos. Um mesmo personagem era interpretado por diferentes atores, músicas eram entoadas por suas vozes entre algumas cenas e não se pode esquecer o violino responsável por um lírico efeito sonoro.Todos esses recursos meticulosamente trabalhados e formidavelmente inter-relacionados foram componentes da bem sucedida fórmula para mais uma marcante apresentação das Quartas Dramáticas.

O preparo do elenco surpreendeu ainda mais a plateia quando os atores se dispuseram a realizar a leitura dramática mais uma vez na mesma noite para atender ao público de uma escola de Sobradinho, que chegou às 20h. O elenco, generosamente, resolveu repetir a leitura e a saída de um dos integrantes do grupo não impediu que o elenco se reorganizasse rapidamente e reapresentasse a leitura com algumas mudanças que comprovaram a habilidade da equipe. Sem os movimentos no centro do palco que compunham parte da apresentação anterior, a nova intesificou a força poética do texto e contou com um bonito desfecho feito pelo violino que emocionou os espectadores.

Depois do caloroso aplauso, a professora Alice Stefânia agradeceu a todos e explicou que fazer uma leitura dramática depois de ter a apresentação teatral montada é muito mais difícil, mas que a experiência foi muito interessante. Além de prometer voltar com novos trabalhos nas Quartas Dramáticas, agradecer o professor André Luís Gomes, responsável pelo projeto, e apresentar seus alunos, a professora convidou a todos para assistirem o espetáculo integral Malva-Rosa que será apresentado nos dias 09, 10 e 11 de Abril no Teatro Helena Barcellos do Complexo das Artes (UnB) explicando que, na leitura dramática, o texto de Newton Moreno foi apresentado na íntegra, mas muitas características originais do espetáculo por eles montado precisaram ser suprimidas. Diante disso, não há saída a não ser conferir a certamente fantástica montagem de Malva-Rosa anteriormente apresentada no Cometa Cenas e agora, mais uma vez, em cartaz.

Kézia Abiorana Frutoso

Lourdes Ramalho

2011-04-07T11:07:00.000-07:00

Teatro Narrativo - Jogo de Idéias

2011-04-02T05:29:00.001-07:00